La magia del Arte Haitiano

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Hace un año visité a mi gran amiga Isabel en Haiti. Recorriendo sus calles, dialogando con sus habitantes, me maravillé con esta pequeña nación caribeña.

Es inevitable no pensar en pobreza o en catástrofe natural cuando nos referimos a Haití. Sin embargo, este país es más que eso. Para hablar de Haití es pertinente también referiste a la importancia de su historia, a su riqueza cultural, a la fuerza de su gente; un país que en su pasado combatió grandes imperios, una nación reconocida como la primera república negra, convirtiéndose en un ejemplo a seguir por otras naciones.

Haití es también un pequeño país con una inmensa riqueza cultural, la música se oye en las esquinas, caminamos y encontramos colorido en sus fachadas, en los vestidos de sus gentes, en las pinturas que sus artistas disponen sobre los muros, en los diseños y magia de sus buses tap-tap que recorren las ciudades. Bien así, el arte Haitiano ha sido un referente de grandes artistas (ejemplo: Basquiat,… ) y desde hace algún tiempo, importantes exposiciones de arte haitiano llegan a grandes capitales del mundo.

Sorprendentemente encontré que en los grandes mercados de su capital, se venden alimentos a la par de su arte popular. Los mercados son lugares donde se pueden adquirir productos de uso cotidiano y al mismo tiempo encontramos estantes de autentico arte haitiano. La capacidad creadora de sus ciudadanos no tiene limites: sus habilidades se ven reflejadas en su producción artística, recursividad y creación altamente ingeniosa.

Visitando el Museo al aire libre en la ciudad de Puerto Príncipe, un callejón en el centro de la ciudad que alberga obras de grandes dimensiones, me encontré con esculturas jamás antes vistas. Cráneos humanos, desechos de basura, cabezas de muñecos, latas, linternas, alambres, electrodomésticos dañados, y todo tipo de objetos reutilizados, dan vida a formas artísticas, algunas representan deidades, personajes mitológicos que a primera vista nos parecen terroríficos, nos inspiran miedo y generan cierta repulsión, pero que en sí cautivan nuestra curiosidad, muchas de estas son representaciones de una simbología única producto de una amalgama cultural y herencia de culturas africanas.

En este lugar conocí a André Eugène, escultor, uno de los artistas fundadores de este lugar. André Eugène acababa de llegar de un viaje por Dinamarca, su arte lo ha llevado a diferentes rincones del planeta, cautivando a aquellos que reconocen un arte autentico en sus creaciones. Obras profundamente místicas, cargadas de símbolos religiosos que invocan la bondad de los dioses, son algunas de las piezas que André Eugène nos enseña. Buscando crear en su arte una expresión de lo sagrado, mezcla en algunos casos representaciones propias del catolicismo y del vudú.

Galerías de arte en diferentes puntos de la ciudad muestran creaciones de artistas haitianos, el arte también esta presente en sus calles, en sus mercados. Aquí les muestro algunas fotografías de esta maravillosa visita, particularmente del Mercado de Hierro y del Museo Al Aire Libre de Puerto Príncipe, dos lugares que todo amante del arte debe considerar visitar.

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Dynamo: Un siglo de luz y movimiento en el arte

Arte, Arte Contemporaneo, Instalación
Anish Kapoor, Sin título (2008).

Anish Kapoor, Sin título (2008).

La luz y el movimiento son los grandes protagonistas de la exposición « Dynamo : Un siglo de luz y movimiento en el arte, 1913-2013 », que se presenta por estos días en las Galerías Nacionales del Grand Palais, en Paris.

En un área total de 3700 m2, 200 obras de 150 artistas internacionales componen la muestra que reúne cien años de creación de un arte llamado “abstracto”, que comprende obras de arte óptico y de arte cinético.

Todas las obras solicitan la participación del público. Es así como la exposición invita a sumergirse en un universo de colores, de espejos y reflejos, así como formas en movimiento que esperan activarse con la visión del espectador. De esta manera, una vez entramos en relación con las piezas, nuestros sentidos se ven alterados, ya sea por nuestra percepción óptica, o más específicamente por nuestra percepción psíquica.

Distribuida en cuatro secciones, “Dynamo” comienza revelando los artistas más contemporáneos y sus instalaciones más recientes. La muestra continua su curso bajo dos temáticas principales: la visión y el espacio, y concluye con obras pioneras del arte cinético de la primera mitad del siglo XX.

Tras un recorrido cargado de impresiones sensoriales, experimentamos un verdadero placer al ver y jugar con obras tales como los espejos cóncavos del artista Anish Kapoor, o la instalación-penetrable de hilos de nylon azul del artista venezolano Jesús Rafael Soto, o aún así la celebre maquina fabricadora de círculos concebida por Marcel Duchamp.

Julio Le Parc. "Cloison à lames réfléchissantes" (1966).

Julio Le Parc. “Cloison à lames réfléchissantes” (1966).

Otras obras máximas entre las tantas y mágicas piezas que presenta la muestra, se encuentran las instalaciones mobiles de Julio Le Parc; los espacios lumínicos a base de flashes intermitentes de Carsten Höller; el ambiente coloreado e inmaterial de James Turrell y así también la instalación atmosférica de brumas de aire condensado de Fujiko Nakaya. “Dynamo” es en sí, una invitación a sumergirse y confrontar los sentidos, descubriendo cien años de inspiración y creación, alrededor de problemáticas tales como el espacio, la visión, la inclusión del espectador en la obra; todo ello a través de la experimentación de la luz y del movimiento.

Carsten Höller, "Light Corner". 2001.

Carsten Höller, “Light Corner”. 2001.

Julio Le Parc en el Palais de Tokyo

Arte, Arte Contemporaneo, Cultura, Escultura, Instalación, Museos
Julio Le Parc, Esfera roja @Foto Laura Morales

Julio Le Parc, Esfera roja @Foto Laura Morales

Dento de los múltiples eventos que la ciudad de París presenta este año, el Palais de Tokyo consagra una importante exposición a Julio Le Parc, uno de los artistas precursores del arte cinético y del arte óptico. Esta muestra monográfica de gran envergadura, reúne una selección de las obras mas importantes realizadas por este artista argentino, entre los años 1950 a nuestros días. Desde sus primeras obras cinéticas de formato bidimensional, pasando por sus experimentaciones de juegos de luz y color, hasta sus monumentales instalaciones penetrables, se revelan en esta muestra todas las facetas de la creación del argentino.

« Soleil froid », título de la exposición, presenta sesenta años de trayectoria de este importante artista de 84 años, que se mantiene activo, y que refleja en su obra, una posición política de un artista militante. La muestra propone un recorrido desde sus obras más formales, hasta aquellas que abordan un carácter más político.

Su obra es en sí, una invitación a que el público viva una experiencia sensorial, puesto que los sentidos son solicitados de forma constante. De esta manera, la recepción de la obra en cada espectador sugiere distintos comportamientos.

Para concluir, vale la pena descubrir esta exposición, y dejarse perder así en medio de luces, movimiento, modulación, color…

Soup/No Soup de Rirkrit Tiravanija.

Arte, Arte Contemporaneo, Performance
Performance Soup/No Soup. Rirkrit Tiravanija. 2012.

Performance Soup/No Soup. Rirkrit Tiravanija. 2012.

Au Grand Palais, l’artiste thaïlandais Rirkrit Tiravanija a présenté récemment (le 7 avril 2012) une performance participative intitulée Soup/No Soup. L’espace de la nef du Grand Palais, ce grand lieu de l’art à Paris, s’est vu transformé pendant douze heures, en un gigantesque banquet festif, où l’artiste et son équipe, ont invité le public à déguster une soupe préparée pour l’occasion.

Généreux mais modeste, collectif et singulier à la fois, le projet Soup/No Soup est conçu comme un grand rassemblement où chacun des participants pouvait vivre une expérience transactionnelle, immatérielle et éphémère, basée sur l’échange, la rencontre et la participation. De plus cette performance cherchait à rapprocher le public vers une dimension intangible et interpersonnelle à travers une participation à l’expérience.

Ce que l’on peut retenir de cette performance c’est que l’œuvre s’est créée grâce à la participation des spectateurs. En ingérant la soupe, le public est entré dans un jeu de partage, proposé par l’artiste. La soupe a été donc, le moyen favorisant cette relation entre l’artiste et le public. De ce fait, l’expérience partagée a rendu visible une intention artistique qui ne se limitait pas à la création d’une œuvre à caractère contemplatif et matériel, mais plutôt une œuvre participative, autrement dit, évènementielle, matérialisée en tant que circonstance et créée par le biais d’un jeu d’échange capté à travers le partage d’une soupe.

Soup/No Soup se construit en effet à partir de la relation, dont « La sphère de ses rapports humains est désormais devenue forme artistique à part entière ».[3] A ce propos et concernant cette performance, nous pouvons en déduire que l’un des axes majeurs de la relation – à savoir la configuration d’une pratique sociale – comprend ainsi un travail de communication avec son public (le public qui participe au grand banquet). Ainsi, Claire Staebler, une des commissaires de l’exposition La Triennale de Paris 2012 – Intense Proximity, évènement artistique sous lequel Soup/No Soup s’est inscrit, nous rappelle que « Rirkrit Tiravanija a toujours axé son travail sur la dématérialisation de l’œuvre, pour que justement, l’objet de la performance soit « ce qu’il se passe » entre les gens ».[4]

Rirkrit Tiravanija a initié depuis les années quatre-vingt-dix, une démarche artistique centrée sur une série de projets dont la préparation et le partage de repas comprend une notion de communauté et de vie associative. Cette performance culinaire réalisée selon un protocole similaire dans d’autres institutions artistiques (au MOMA de New York, la Biennale de Venise, etc.) met davantage l’accent sur le sens de l’échange, sur la rencontre et la convivialité. Cette performance qu’on pourrait appeler, selon les termes de Joseph Beuys, une « sculpture sociale »[5], veut s’entendre comme une rencontre publique centrée sur la préparation, la consommation et le partage de la nourriture. En fait, « l’artiste puise toute l’énergie artistique dans les liens et les relations qui se nouent entre les participants de la performance »[6].

Cette œuvre propose donc, un modèle transactionnel. Elle suggère également un jeu d’interaction. Dans ce jeu, le public décide s’il veut ou non participer à l’action par un « oui » ou par un « non » : Soup ou No Soup. C’est justement le titre de l’œuvre. Il  explique la décision du public d’accepter ou de refuser un tel échange. Nous observons comme les visiteurs qui décident d’entrer dans le jeu, participent à la performance tout d’abord par la consommation de la soupe, mais aussi par le dialogue qui s’instaure lors de l’échange, et à travers l’appropriation de l’espace. En effet, l’artiste cherche à ce que le spectateur passif (le visiteur), devient lui-même un participant actif, tel l’acteur d’une œuvre en devenir.

Laura Morales


[1] Nicolas Bourriaud, L’Esthétique relationnelle, Dijon-Quetigny, Les Presses du Réel, 2006, p. 19.

[2] Ibid., p. 15.

[3] Ibidem

[4] Dans le catalogue de l’exposition : La Triennale 2012, Intense Proximity, CNAP et Palais de Tokyo, Paris, Avril – Août, 2012, p. 265.

[5] Joseph Beuys, Social Sculpture, Invisible sculpture, Altrnative Society, Free International University, Conversation With Eddy Devolder, op. cit., p. 28.

[6] Catalogue de l’exposition : La Triennale 2012, Intense Proximity, op. cit., p. 265.

Centro Pompidou Metz en Francia

Arquitectura, Arte, Arte Contemporaneo, Cultura, Diseño, Museos
Centre Pompidou Metz

Centro Pompidou Metz

Desde mayo del 2010 la ciudad francesa de Metz ofrece a sus visitantes una nueva atracción cultural, se trata del Centro Pompidou-Metz, un museo de estilo contemporáneo, que alberga una importante colección de arte moderno y contemporáneo proveniente del Centro Pompidou de París.

El Centro Pompidou-Metz es la nueva sucursal del museo de arte moderno de París, que desembarca en la Lorena francesa convirtiéndose en un nuevo referente de la cultura en el norte de Europa. Además, el Centro ha sido concebido por el importante arquitecto japonés Shigerou Ban, quien ha diseñado un edificio contemporáneo de formas orgánicas, que comprende un tejado translúcido que se asemeja a una membrana textil transparente de 8.000 metros cuadrados, que deja pasar la luz natural y cubre una estructura de grandes vigas de madera clara. El conjunto arquitectónico cuenta con cerca de 12.000 metros cuadrados, la mitad dedicados a espacios de exposición y el resto se reparte en espacios comunes (auditorio, salas pedagógicas, cafetería y un restaurante).

Este centro de la cultura ha alcanzado un gran éxito desde su inauguración hasta el día de hoy, batiendo un record de frecuentación sin precedentes, convirtiéndose en el lugar de exposición más visitado en Francia fuera de la región de la Isla de Francia. Hasta la fecha, el museo ha recibido más de 400 000 visitantes y ha sobrepasado ampliamente el objetivo anual de frecuentación, representado en 250 000 visitantes.

Para obtener mayor información, visita la página Web del Centro Pompidou-Metz.

Laura Morales.

Titanic Belfast Visitor Centre

Arquitectura, Cultura, Historia, Museos
Titanic-Belfast-visitor

Titanic-Belfast-visitor

El Centro de Visitantes Titanic o mejor conocido con el nombre de Titanic Belfast Visitor Centre, localizado en la capital de Irlanda del Norte, abrirá sus puertas al público en abril del 2012, fecha en la que se conmemorarán los 100 años de la tragedia del gigantesco buque de pasajeros Titanic.

Este gran centro en homenaje del Titanic está siendo construido por la oficina irlandesa Tood Architects, la cual comenzó las obras en el 2009 y recientemente ha terminado de levantar su impresiónate fachada. De esta forma, el exterior del edificio ha sido revestido con diferentes paneles de aluminio, material que refleja a manera de espejo el entorno del museo, dando vista al titanic quartier, importante zona industrial de la ciudad de Belfast.

El centro de visitantes contará con seis pisos y nueve galerías pedagógicas e interactivas que narrarán la historia del Titanic, desde su concepción y construcción, hasta el embarque, la travesía y su trágico naufragio. Asimismo el edificio incluirá una sala de conferencias que se convertirá en la más grande del país.

El titanic y el mito que lo acompaña, ha sido inmortalizado en obras literarias e importantes producciones cinematográficas, de ésta misma manera el Titanic Belfast Visitor Centre buscará transmitir su historia y la gran importancia que este buque representó en temas de inventiva tecnológica y memoria colectiva para Irlanda del Norte y el resto del mundo.

En este año 2012 el Reino Unido ofrece una gran diversidad de eventos de gran magnitud, ya que además de la inauguración del Titanic Belfast Visitor Centre, el país acogerá asimismo los Juegos Olímpicos de Londres 2012, así como el aniversario numero 200 del nacimiento del escritor inglés Charles Dickens.

Para obtener mayor información, visita la página Web del Titanic Belfast Visitor Centre.

Laura Morales.

El Museo Soumaya en México DF

Arquitectura, Arte, Cultura, Museos

 

Museo Soumaya en México D.F

Museo Soumaya en México D.F

Desde el pasado mes de marzo 2011, la capital mexicana ofrece a sus visitantes una nueva atracción cultural, el Museo Soumaya, un edificio de estilo contemporáneo, que alberga la colección de arte privada más grande de América Latina.

Esta importante obra arquitectónica ha sido costeada por el magnate mexicano Carlos Slim, quien ha decidido construir un museo que exhibe sus colecciones de arte, en un lugar inédito creado para el disfrute estético de los mexicanos y de los turistas que visiten “la capital en movimiento”. La colección está compuesta por obra plástica mexicana y europea de los siglos XV al XX, una colección prehispánica del posclásico mesoamericano (1000-1521) y artes aplicadas de 2.300 años de antigüedad.

El museo ha sido concebido por el arquitecto mexicano Fernando Romero, quien ha diseñado un edificio contemporáneo con forma torneada, cuya fachada está cubierta de espejos hexagonales de diferentes tamaños que dan gran dinamismo a esta construcción de estilo innovador. Una vez que estés allí, podrás observar que la visita al museo se hace a través de sus seis plantas de exposición, las cuales reúnen seis siglos de creación artística.

Para obtener mayor información, visita la página Web del Museo Soumaya.

Laura Morales.

Helsinki: Capital Mundial del Diseño en 2012

Cultura, Diseño
Helsinki World Design Capital 2012

Helsinki World Design Capital 2012

Cada dos años una ciudad es nombrada «Capital Mundial del diseño». Este título busca resaltar a una ciudad que utilice el diseño en sus perspectivas sociales, culturales y económicas. Este año 2012 Helsinki es la gran capital mundial del diseño bajo el tema: «Open Helsinki : Embedding Design in Life», «Helsinki ciudad abierta al mundo: El diseño integrado al cotidiano vivir». Este es un evento ineludible para todos los amantes del diseño y a quienes deseen visitar esta bella ciudad del norte de Europa, que se presenta como un destino único con una gran dinámica creativa y en constante progreso.

Helsinki es la capital de Finlandia, ella ofrece historia, cultura, cambio e innovación. Además es una ciudad que posee un pasado único, ligado directamente al universo del diseño, que hace parte fundamental de su identidad y que genera una gran competencia económica. Es así como varios nombres de diseñadores finlandeses mundialmente reconocidos se nos vienen inmediatamente a la mente, tales como: Alvar Aalto, Eero Aarnio, Eero Saarinen, entre otros.

Para la ocasión, la ciudad de Helsinki mostrará el impacto del diseño sobre el cotidiano vivir, en las esferas privadas y públicas. Esta versión presenta un amplio programa de actividades, eventos culturales de talla mayor, exposiciones, transformaciones del espacio público de la ciudad, etc., que buscan atraer a visitantes y habitantes a pensar la ciudad como un lugar creativo y en constante cambio.

Este importante evento entorno al diseño, marca para todos los que nos interesamos por esta disciplina, un gran motivo para querer ir a Helsinki y participar en las trasformaciones de esta ciudad, siendo espectadores y actores de esta gran ola creativa.

Para obtener mayor información, visita el sitio Web oficial de Helsinki: Capital Mundial del Diseño 2012.

Laura Morales.

Chefchauen: Ciudad Azul

Cultura, Turismo
Chefchauen, Marruecos

Chefchauen, Marruecos

 

Chefchauen es un lugar de ensueño. Localizada al noroeste de Marruecos en la región de Tanger – Tetouan, “La Ciudad Azul”, como también se le conoce, es un lugar que cautiva y alimenta el alma de todo aquel que la visita.

Las medinas Marroquíes (centros antiguos de las ciudades), se distinguen por poseer colores uniformes que constituyen una unidad en su arquitectura. Marrakech por ejemplo, esta impregnada de un color rojizo terracota que domina su antiguo casco urbano, el cual se entremezcla con el color árido de la tierra en donde se emplaza la ciudad. Tanger por su parte, se caracteriza por el blanco de sus muros. Y así podríamos también nombrar a Fez, que esta inunda por un color tenue crema claro.

Sin embargo Chefchauen se impone frente al color monocromático característico de estas ciudades Marroquíes, haciendo que su azul brille y sobresalga frente al conjunto arquitectónico que define su urbe.

Podríamos decir que Chefchauen es una ciudad dominada por un solo color, en otras palabras, una ciudad monocromática, donde sobresale el color azul en cada una de sus fachadas, marcos de puertas y ventanas, materas, escaleras, etc. El gran secreto de Chefchauen es que cada uno de sus habitantes se encarga de darle encanto a su ciudad, participando en una acción colectiva que consiste en pintar y apropiar el color de su propia casa. Cada habitante define el tono azul que llevara su fachada, acorde a su gusto, y es así como hayamos un mar de tonalidades azules, que configuran una unidad monocromática que deleita los ojos de quien recorre las calles de Chefchauen.

Asimismo, el encanto de la ciudad se da gracias a su situación geográfica, ya que ella esta rodeada de grades montañas e importantes fuentes de agua, que nacen a los pies de la cordillera del Rif. Estas cordilleras se elevan encima de la ciudad como dos cuernos, dando así nombre a la ciudad Chefchaouen, que en Berbér significa: “Mira los cuernos”.

Además, el paisaje arquitectónico juega con la espléndida naturaleza en donde la ciudad se emplaza. La medina de Chefchauen se divisa como un laberinto de construcciones que van conformando las calles estrechas de la ciudad. Y es así como las calles se extienden formando muros continuos, y ellas conducen a los lugares de actividad publica, a sus plazas, mercados, etc. Los edificios son presa de un intrincamiento de pasadizos, callejones sin salida, que conforman una unidad orgánica ceñida al tejido urbano. La ciudad se muestra diferente a las ciudades organizadas, aquí la urbe crece en juego con la geografía y su entorno natural.

Nota: Las fotografías hacen parte de un archivo personal, como resultado de un viaje realizado a Chefchauen en el 2010.

Laura Morales.

“Leviathan”: Una experiencia de inmersión en la obra de Anish Kapoor

Arte Contemporaneo, Cultura, Escultura, Instalación
Levitian, Anish Kapoor

“Leviathan” en el interior, Anish Kapoor

Anish Kapoor

“Leviathan” en el exterior, Anish Kapoor.

Desde el 11 de mayo hasta el 23 de junio de 2011, el Grand Palais en París alberga una obra máxima del artista Anish Kapoor.

Monumenta es el nombre de este importante evento anual, que invita a artistas internacionalmente reconocidos, a intervenir la Nef del Grand Palais. Para cada versión, cada artista invitado crea una obra inédita, que dialoga con el espacio y sus espectadores.

Los grandes invitados de las pasadas versiones fueron el alemán Anselm Kiefer, el estadounidense Richard Serra y el francés Christian Boltanski. Para esta ocasión, el invitado de honor es Anish Kapoor, reconocido artista británico, de origen indio.

Anish Kapoor presenta para la cuarta edición de Monumenta 2011, una obra que titula: “Leviathan”. En palabras propias del artista, “Leviathan” es descrita como:  “Un solo objeto, una sola forma, un solo color”.

Y bien frente a esta descripción hecha por su creador,  me gustaría agregar que en términos formales, “Leviathan” es básicamente una escultura de dimensiones monumentales, es más, se trata precisamente de una instalación y escultura que cuenta con formas orgánicas minimalistas, que configuran una gran estructura que puede ser penetrada por el publico, y asimismo contemplada desde su exterior.

Como bien es presente en la obra de Kapoor, el color es fundamental y una base de su creación. Podría decirse que el color en su obra, más que un elemento decorativo o puesto por añadidura, es ante todo el principio de su arte. El exquisito rojo monocromo en el interior de la instalación, y el violeta sombrío en su exterior, son elementos de base de concepción de esta gran obra. Además, a través del color se sugiere un camino de inmersión directa en el mundo que la obra representa.

Kapoor añade, “Leviathan invita a los visitantes a entrar en ella, a sumergirse en el color, esperando que esta sea para cada uno, una experiencia contemplativa y poética”.

Para mi, la experiencia de inmersión en la obra de Kapoor podría ser descrita como un choque estético y físico directo, en ella descubrí que en un solo dispositivo pueden reunirse varias dualidades. Es decir, “Leviathan” conjuga en un mismo espacio el vacío y lo lleno, lo lejano y lo próximo, el reflejo y la imagen, el soporte y la superficie.

Laura Morales.